Aprendiendo con el Método Kodaly

Afinación de Guitarra

Afinación de Guitarra

Método Kodaly

Método Kodaly      Zoltan Kodály fue un compositor, gran pedagogo, musicólogo y folclorista húngaro de gran trascendencia. Se basó en la música campesina, la cual, según el autor, es conveniente que se comience a introducir en los ambientes familiares de los niños. El valor de Kodály se cifra fundamentalmente en su labor musicológica realizada en la doble vertiente de la investigación folclórica y de la pedagógica.      Su método parte del principio de que “la música no se entiende como entidad abstracta (solfeo en el plan antiguo), sino vinculada a los elementos que la producen (voz e instrumento) “. La práctica con un instrumento elemental de percusión y el sentido de la ejecución colectiva son los puntos principales en que se asienta su método. Podríamos resumir su método en los principios siguientes:         -La música es tan necesaria como el aire.         -Sólo lo auténticamente artístico es valioso para los niños.         -La auténtica música folclórica debe ser la base de la expresión musical nacional en todos los niveles de la educación.         -Conocer los elementos de la música a través de la práctica vocal e instrumental.         -Lograr una educación musical para todos, considerando la música en igualdad con otras materias del currículo.     Su método, desde el punto de vista pedagógico, se basa en la lecto-escritura, en las sílabas rítmicas, la fononimia y el solfeo relativo. Con las sílabas rítmicas, Kodaly pretende relacionar a cada figura y su valor con una sílaba, con lo cual obtiene ciertasensación fonética y, por consiguiente, una relativa agilidad o lentitud en el desarrollo de las diferentes fórmulas rítmicas y su contexto global. Ejemplos de sílabas rítmicas Ta ta ta ta       ti ti ti ti       ti ri ti ri ti ri ti ri      Con la fononimia, pretende indicar mediante diferentes posturas y movimientos de las manos, la altura de los sonidos y que los alumnos los identifiquen con sus nombres respectivos.     Mediante el solfeo relativo se plantea la posibilidad de entonar cualquier melodía representada en una sola línea desde el punto de la escritura musical. Esta línea representa el pentagrama convencional y en ella estarán colocadas las diferentes notas con sus nombres respectivos debajo, dichos nombres no estarían completos ya que sólo aparecería la primera letra del nombre correspondiente.     Con esta actitud y desde el punto de vista de la entonación, da igual la tonalidad en que se encuentre la obra musical original, pues siempre se podrá transportar a la tesitura más cómoda del intérprete. Sistema Pentatónico Esta formada por cinco sonidos   y puede construirse sobre cualquier escala  utilizando varias combinaciones de notas,  básicamente de las siete notas que  forman una escala  hay que suprimir dos siempre y cuando se incluya la tónica Lectura y Entonación Kodály emplea  la metodología de la memoría primero diciendo  la  y  luego con las notas respectivas Utiliza patrones rítmicos típicos de las canciones del folklore Húngaro Método Kodály - Fononímia El sistema de Kodály trata de sacar provecho a los patrones musicales que se encuentran dentro de las habilidades del niño en las diferentes etapas de crecimiento. En términos de ritmo, los ritmos movidos están más relacionados a las actividades de la vida diaria de un niño . Por ejemplo, una corchea puede ser asociada a los pasos al caminar y las semicorcheas al correr, estos son los ritmos que los niños viven día con día. La Fononimia es un método que consiste en marcar la altura de los sonidos, situándoles en el espacio, colocando la mano a diferentes alturas. Entre los grandes pedagogos musicales que se han servido de este resorte metodológico se encuentra Zontán Kodály. Además de ayudar a representar las notas con un gesto de la mano, es muy útil para: -Ejercicios de afinación. -Los intervalos y las relaciones melódicas. -La afinación, la educación del oído, la memoria, la audición interna y externa, la técnica vocal, la improvisación, etc. -El desarrollo de las capacidades como la atención y la concentración, además de la conciencia del trabajo en grupo. -Como medio para trabajar ejercicios de psicomotricidad y expresión. -El desarrollo de la creatividad, la sensibilidad y el gusto Método kodaly aEl método  se basa en : Fononímia Pentafonía Sílabas rítmicas Voz

La voz

la voz humana

Para que la voz se produzca, es necesario que intervengan un conjunto de órganos denominado
APARATO FONADOR
, que, aunque individualmente desarrollan otras funciones en el organismo, aquí actúan coordinados en tres mecanismos bien diferenciadosMECANISMO RESPIRATORIO
MECANISMO LARÍNGEO
MECANISMO RESONADOR

MECANISMO RESPIRATORIO
 la nariz aspira el aire que llega hasta los pulmones, con un abultamiento visible del diafragma. Éste ejerce presión y el aire es expulsado, saliendo a través de los bronquios y la tráquea.
MECANISMO LARÍNGEO: en la laringe se produce el sonido, al pasar el aire por las cuerdas vocales, que entran en vibración.

MECANISMO RESONADOR
: el sonido creado en la laringe es amplificado y articulado al pasar por las cavidades de resonancia, que son la faringe, la boca y las fosas nasales.

La voz humana es el instrumento musical más apreciado y completo, y tan antiguo como la propia humanidad. Las voces las podemos clasificar de acuerdo a los siguientes registros:

Voces blancas

Soprano
Mezzo soprano
Contralto
Tenor
Barítono
Bajo

Voces blancas (niños)

Se denomina voz blanca o voz infantil a la voz musical de los niños y niñas antes de su pubertad. Una laringe infantil es más corta que la de una mujer, y mucho más que la de un varón, por lo que las voces blancas son muy agudas, estas voces independientes al género  las podemos dividir en primera y segunda voz

Voces Femeninas

SOPRANO: es la voz de tesitura más aguda. Prácticamente el 60% de las mujeres son sopranos

Mezzo soprano
Es la voz con un registro intermedio entre la soprano y la contralto
Contralto
es la voz de mujer más grave. Sólo el 20% de mujeres son contraltos.

Voces masculinas
Tenor
Es la voz de tesitura más aguda de hombre. Es la más común entre las voces masculinas.
Barítono
Es la voz intermedia entre tenor y bajo.Bajo
Es la voz de hombre más grave, y la menos frecuente entre las voces masculinas

¿QUE CUIDADOS DEBEMOS TENER PARA CUIDAR NUESTRA VOZ?

 - Limitar la cantidad de tiempo de habla. Hable lo justo y necesario, sobre todo si siente que su voz se cansa con facilidad

.
- No forzar la voz en situaciones de mucho ruido ambiental.
- Evitar gritos e imitación de sonidos onomatopéyicos (de la naturaleza-animales)

.
- Cuídese de los cuadros catarrales y el reflujo gastroesofágico. El reflujo puede dañar gravemente su laringe y afectar la producción de la voz 

- Evite hablar de manera prolongada a larga distancia y en el exterior.

- No cante más allá de la gama en que se encuentre cómodo. 

- Evitar toser o aclarar la voz (carraspear) excesivamente. Este acto puede dañar los pliegues vocales, en lugar de ello tomar agua. 

- No hable mucho durante un ejercicio físico agotador.

- Realice reposo vocal después de una jornada de gran uso de su voz

.
- Mantenga una postura corporal adecuada mientras hace uso de su voz. Posturas inadecuadas producen compensaciones musculares que pueden afectar a la zona cervical y laríngea.

- No fumar (fumar es uno de los factores principales en la formación de cáncer laríngeo,

- Evitar hablar demasiado rápido.
- Evitar reír a carcajadas. 

.
- Evitar hablar demasiado fuerte ya que puede traumatizar las cuerdas vocales. En el caso de tener que utilizar la voz hablada con niveles altos de intensidad realizar entrenamiento fonoaudiológico. 

.
- Ante el menor síntoma de cambio de su calidad vocal (EJ: voz opaca, pérdida de notas agudas y/o graves, quiebres de voz, problemas con el vibrato, aparición de ruido en la emisión, pérdida de volumen, cansancio vocal, dolor, irritación, etc.) consultar inmediatamente a un Otorrino laringólogo  o fonoaudiólogo especializado en voz. 

- No imitar voces, esto puede producir hiperfunción o hipofunción y posteriormente lesión orgánica en las cuerdas vocales. Si se debe imitar voces profesionalmente como por ejemplo en doblajes realizar entrenamiento vocal. 

. Algunos medicamentos pueden producir deshidratación en las cuerdas vocales

.
- Si utiliza su voz en el trabajo o en otras actividades realizar entrenamiento con fonoaudiólogo especializado en voz.
- Ante una disfonía de más de una semana de duración consulte inmediatamente a un especialista. 

.
- Si habla ante un auditorio grande utilice un micrófono, hable despacio y articulando bien las palabras. .
- Si necesita llamarle la atención a alguien, use sonidos no vocales tales como aplaudir, campanas. Etc. 

Nana

À la claire fontaine

SOUVENIR DE VALS

Oh! when the saints

musa de los vientos

Il metodo Dalcroze per gli attori

Dalcroze Belgique - Recherche Désespérément

Dalcroze Belgique - Le Bal Des Insectes

Método Dalcroze

Método Dalcroze

    Émile-Jacques Dalcroze, pedagogo y compositor suizo, se oponía a la ejercitación mecánica del aprendizaje de la música por lo que ideó una serie de actividades para la educación del oído y para el desarrollo de la percepción del ritmo a través del movimiento. Con este propósito hacía marcar el compás con los brazos y dar pasos de acuerdo con el valor de las notas, mientras él improvisaba en el piano. Llegó a la siguiente conclusión: el cuerpo humano por su capacidad para el movimiento rítmico, traduce el ritmo en movimiento y de esta manera puede identificarse con los sonidos musicales y experimentarlos intrínsecamente. Dalcroze consiguió que sus alumnos realizaran los acentos, pausas, aceleraciones, crescendos, contrastes rítmicos, etc. Al principio se improvisaba, para luego pasar al análisis teórico.

    Para Dalcroze la rítmica es una disciplina muscular. El niño que ha sido formado en ella, es capaz de realizar la organización rítmica de cualquier troza musical. No se trata de “gimnasia rítmica” sino de una formación musical de base que permita la adquisición de todos los elementos de la música. Pretende, igualmente, la percepción del sentido auditivo y la posterior expresión corporal de los percibido (el ritmo de cualquier canción escuchada es traducido por su cuerpo instintivamente en gestos y movimientos).

     Aunque la metodología Dalcroze está estructurada para los diferentes niveles educativos, se centra más en la educación infantil.

     Los principios básicos del método son: todo ritmo es movimiento; todo movimiento es material; todo movimiento tiene necesidad de espacio y tiempo; los movimientos de los niños son físicos e inconscientes; la experiencia física es la que forma la conciencia; la regulación de los movimientos desarrolla la mentalidad rítmica.

Según estos principios, las características básicas de este método son:

1. La rítmica Dalcroze se basa en la improvisación. Los niños caminan libremente, y entonces comienza el piano a tocar una marcha suave y lenta, sin advertirles nada, los alumnos adaptan poco a poco su marcha al compás de la música. Así va introduciendo los valores de las notas (las figuras):

        -Las negras para marchar

        -Las corcheas para correr

        -La corchea con puntillo y semicorchea para saltar

2. Se desarrollan ejercicios apropiados para la orientación espacial. Como por ejemplo, marchas en círculo hacia derecha e izquierda levantando y bajando los brazos a la voz de “hop”.

3. Se desarrollan ejercicios apropiados para hacer sentir los matices. Ejemplo: el profesor toca una música suave y los niños andan de puntillas (siempre en círculos), y cuando la música es fuerte y marcada, marchan marcando fuertemente el paso.

4. Se desarrollarán movimientos expresivos para la interpretación y el carácter de la obra musical.

5. El silencio se hará sentir relacionándolo con la interrupción de las marchas con ausencia de sonido.

   Para vencer las dificultades que ofrecía la respuesta corporal creó una serie de ejercicios de aflojamiento y de independencia para las extremidades, el tronco y la cabeza a fin de que sus alumnos pudieran moverse con toda libertad. También creó una serie de ejercicios de desinhibición, concentración y espontaneidad, que les permitían reaccionar inmediatamente a una señal musical dada.

   El principal objetivo era que este método fuera utilizado en los jardines infantiles y en las escuelas elementales de música, además fue aprobado por médicos y psicólogos. Fue aplicado también para niños neuróticos y retardados así como débiles mentales.

http://www.slideshare.net/abullejos/mtodo-dalcroze

C5N - LOS ENIGMAS DEL CEREBRO - CREATIVIDAD - PARTE 1

Teoria de la Gelstalt

https://prezi.com/e-ulzcaofl7a/teoria-de-la-gestalt/

La educación artística según Ricardo Marín Viadel

https://prezi.com/snsku3g7ued4/implicancias-de-la-ensenanza-artistica-r-marin-viadel/

Etapas del dibujo Infantil

Viktor Lowenfeld - Etapas del desarrollo del dibujo

Dibujar y pintar son las actividades artísticas más frecuentes que hacen los niños y niñas en la escuela, por ello las características de esos dibujos, sus sentidos y significados, su evolución o desarrollo, son asuntos de máxima importancia en educación artística. Los dibujos espontáneos infantiles plantean un conjunto de interrogantes, de las que muchos autores se han interesado, algunas de éstas son: ¿Cómo dibujan los niños y niñas?, ¿Cómo representan el espacio y usan el color? ¿Cuáles son las influencias culturales en los dibujos espontáneos e infantiles? ¿Por qué los esquemas gráficos que utilizan para representar el sol las montañas o los árboles son tan universales? Precisamente uno de los autores que ha dado algunas respuestas a estas interrogantes es Viktor Lowenfeld, quien plantea la teoría del desarrollo de la capacidad creativa en los niños. Este autor publicó la clasificación de etapas del desarrollo del dibujo infantil y sique siendo, actualmente, la referencia de los estudios evolutivos. La terminología que utilizó Lowenfeld en su esquema es la que sigue vigente en los ámbitos profesionales

Etapas en el desarrollo artístico del niño

A continuación expondré brevemente una síntesis de las etapas correspondientes a la expresión plástica por las que transita el niño:

• Etapa del garabateo (de dos a cuatro años)

"Varios investigadores,  han mostrado que los gestos expresivos del niño, desde el momento en que se pueden registrar con un lápiz o con una tiza, evolucionan a partir de unos garabatos básicos hacia símbolos coherentes. Durante varios años de evolución esos modelos básicos se van convirtiendo en la representación consciente de los objetos percibidos: el signo sustitutivo se convierte en una imagen visual... los niños siguen todos la misma evolución gráfica en su descubrimiento de un modo de simbolización. De entre los garabatos amorfos del niño, surgen primero algunas formas básicas: el círculo, la cruz vertical, la cruz de San Andrés, el rectángulo, etcétera, y luego dos o más de estas formas básicas se combinan en el símbolo compuesto conocido como el mandala, un círculo dividido en cuadrantes por una cruz" .

• Etapa preesquemática (de cuatro a siete años)

Generalmente, hacia los cuatro años, el niño hace formas reconocibles, aunque resulte un tanto difícil decidirse sobre qué representan. Hacia los cinco años, ya se pueden observar casi siempre personas, casas, árboles; a los seis años las figuras han evolucionado hasta constituir dibujos claramente distinguibles y con tema. A los seis años habrá establecido cierto esquema en sus dibujos.

• Etapa esquemática, la obtención de un concepto de forma (de siete a nueve años)

Aquí llamaremos esquema al concepto al cual ha llegado el niño respecto de un objeto, y que repite continuamente mientras no haya alguna experiencia intencional que influya sobre él para que lo cambie. La figura de un hombre, trazada por un niño alrededor de los siete años de edad, debe ser un símbolo fácilmente reconocible. El esquema consiste en líneas geométricas, que cuando se separan del conjunto pierden significado. El principal descubrimiento de esta etapa es la existencia de un orden en las relaciones espaciales. Este primer conocimiento consciente de que el niño es parte de su ambiente se expresa por un símbolo que se llama línea de base.

• Etapa del comienzo del realismo. La edad de la pandilla (de nueve a doce años)

En esta edad se observa un creciente desarrollo de la independencia social respecto de la dominación de los adultos. Un niño de esta edad va tomando progresivamente conciencia de su mundo real. El esquema ya no es el adecuado para representar la figura humana durante este periodo.
En sus dibujos las líneas geométricas ya no bastan. Ahora el niño desarrolla una mayor conciencia visual; ya no emplea el recurso de la exageración, omisiones u otras desviaciones para expresarse. El naturalismo no es el objetivo principal de esta edad, pues generalmente no aparecen intentos de representar luz y sombra, efectos atmosféricos, reflejos en el color o pliegues en la ropa.

¿Qué aporta el arte al desarrollo del niño?

Las actividades artísticas, música, pintura, danza y teatro, favorecen y estimulan el desarrollo de la psicomotricidad fina y gruesa del chico, lo cual redundará en un mayor control de su cuerpo, proporcionándole seguridad en los propios poderes y elementos para la adquisición de la lecto-escritura.
Las actividades artísticas ayudan para las experiencias de aprendizaje escolar, motivando el desarrollo mental, ya que con éstas se aprenden conceptos como duro/suave, claro/fuerte, lento/rápido, alto/bajo, etcétera. Se ejercita la atención, la concentración, la imaginación, las operaciones mentales como la reversibilidad (al considerar varias formas para resolver una situación), la memoria, la observación, la iniciativa, la voluntad y la autoconfianza; ésta última, como un resultado de la constatación por parte del niño de todo lo que puede realizar, lo cual se traducirá en un concepto positivo de su persona, que generalizará a las actividades académicas.
El arte beneficia también el desarrollo socioemocional del niño al propiciar la aceptación de sí mismo con sus posibilidades y límites. Esta aceptación va íntimamente ligada al concepto que tenga de sí, el cual determinará su comportamiento presente y futuro: el niño se conducirá de acuerdo con quien cree que es. Desgraciadamente, muchos padres les reflejan a sus hijos una imagen negativa de su persona y, en este sentido, el arte juega el papel de un reparador para esta imagen deteriorada, manifestándose así una de sus grandes cualidades que es la terapéutica.
Asimismo, al trabajar en el seno de un grupo, el niño se enfrenta a múltiples ocasiones de interrelación en las que se conjugan el trabajo individual y el colectivo en un continuo dar y recibir, pedir y ceder, dirigir y seguir, compartir, cooperar y comprender las otras individualidades con sus diferencias y necesidades. Se favorece de esta manera el desarrollo moral del que nos habla Piaget.
La paradoja que Piaget trata de resolver (y que Durkheim no fue capaz de hacer) es cómo se desarrolla la moralidad autónoma individual en contraposición con la moral impuesta por el mundo de los adultos. El cambio principal se produce entre dos tipos de moralidad: la moral de la presión adulta, del respeto unilateral a las normas impuestas por los adultos, y la moral de la autonomía y de la cooperación, del respeto mutuo a los iguales. Este cambio es una consecuencia de las interacciones con los iguales y de las capacidades cognitivas del niño, que a su vez facilitan las relaciones sociales.
La moral de la cooperación y de la autonomía supone el cambio de una moralidad absoluta y egocéntrica a una moral basada en una concepción relativa, en la que el niño es capaz de situarse en la perspectiva de los otros. La autonomía surge cuando el niño descubre la importancia de las relaciones de simpatía y respeto mutuos. La reciprocidad y la cooperación entre los iguales es el factor determinante de la autonomía moral. Los aspectos sociales y, más en concreto, las relaciones con los iguales, son los elementos imprescindibles para progresar en la autonomía moral.
Mediante la experiencia artística se cultivan y desarrollan también los sentidos del niño, promoviéndose así el desarrollo perceptivo. El espacio, las formas, los colores, las texturas, los sonidos, las sensaciones kinestésicas y las experiencias visuales incluyen toda una variedad de estímulos para la expresión. Los niños que rara vez se sienten influidos por las propias experiencias perceptivas, demuestran poca habilidad para observar y poca agudeza para apreciar diferencias entre los objetos.
El arte influye, asimismo, en el desarrollo estético del niño. La estética puede definirse como el medio de organizar el pensamiento, los sentimientos y las percepciones en una forma de expresión que sirva para comunicar a otros estos pensamientos y sentimientos. No existen patrones ni reglas fijas aplicables a la estética. En los productos de la creación de los niños, el desarrollo estético se revela por la aptitud sensitiva para integrar experiencias en un todo cohesivo. Esta integración puede descubrirse en la organización armónica y en la expresión de pensamientos y sentimientos realizada a través de las líneas, texturas y colores utilizados.
Los autores están considerando el área de expresión plástica, pero este mismo desarrollo estético y su expresión son propiciados también por la música, la danza y el teatro.
Por último, el arte favorece enormemente el desarrollo creador del niño, motivándolo a la flexibilidad, la fluidez, la originalidad, la independencia, la crítica y la autocrítica. Al crear se ponen en juego habilidades de análisis, de selección, de asociación y de síntesis, así como las experiencias y conocimientos del niño; todo lo cual da lugar a un producto nuevo, que ha adquirido vida por la voluntad y actividad de éste.
La producción creativa se manifiesta en la medida en que el individuo se interesa efectivamente en la actividad que realiza, y por el logro de aprendizajes significativos que lo comprometen y le permiten, a través de su experiencia, expresarse por medio de la actividad que realiza y por la estimulación que el ambiente natural y social .
Es importante mencionar que la educación artística, con todos los beneficios que aporta al desarrollo del niño en sus diferentes aspectos y en especial al desarrollo de la creatividad, se encuentra en estrecha coincidencia con los objetivos que plantea Piaget para la educación:
El principal objetivo de la educación es crear hombres que sean capaces de hacer cosas nuevas, no solamente de repetir lo que han hecho otras generaciones; hombres que sean creativos, inventivos y descubridores. El segundo objetivo de la educación es formar mentes que puedan criticar, que puedan verificar y no aceptar todo lo que se les ofrezca.

Conclusiones

Se requiere todavía que el lugar del arte dentro de la educación (escolar, familiar y social) tenga la importancia que merece, sobre todo si se toma en cuenta que se podrán favorecer grandemente el presente y el futuro del niño y del adolescente en cualquier ámbito en que éstos se desenvuelvan, a través de las vivencias que les proporcionará el arte en edades tempranas.
Como ha quedado expuesto, el arte es una alternativa sumamente valiosa dentro de la educación, ya que las experiencias que el niño viva a través de la pedagogía artística infantil y que el adolescente tenga la fortuna de adquirir gracias a un profesor sensible que estimule su creatividad afectarán positivamente otras esferas de su actividad dentro del medio ambiente escolar y familiar, logrando con esto mejores capacidades y habilidades para enfrentarse a los problemas y situaciones que se les presenten, lo que implica un mejor desarrollo de su pensamiento, su imaginación, su socialización y su capacidad creadora.
La educación artística aún tiene que hacer un gran recorrido dentro de nuestro medio para lograr el reconocimiento que merece y que repercutiría de manera positiva en un desarrollo más completo de los educandos, por lo que deberá procurarse su integración a la educación como un área imprescindible en la formación del niño y del adolescente.
Propuestas
A partir de lo anterior, podemos ahora expresar algunas propuestas y sugerencias:
• Que se reformulen los planes de estudio de educación básica y se le asigne mayor número de horas a la educación artística en sus diferentes áreas, concediéndole la misma importancia que a la enseñanza de las matemáticas y el español.
• Que en las escuelas normales los estudiantes aprendan de manera teórico práctica la pedagogía del arte infantil.
• Que en las escuelas secundarias las asignaturas de educación artística sean impartidas por profesores especialistas en alguna(s) área(s) del arte, lo que implicaría un dominio de ésta(s) y una preparación para encauzar su enseñanza hacia la expresión y la creatividad.
• Que en cada escuela de preescolar y primaria exista un profesor especialista en educación artística infantil —así como se encuentra uno de educación física— que funja como asesor de la planta docente.
• Que se promueva la investigación en este campo que aporte conocimientos de nuestra realidad educativa en torno al arte y de sus vinculaciones con el aprendizaje de la lecto-escritura y las matemáticas, el desarrollo de la creatividad, el desarrollo socioemocional, las necesidades educativas especiales, los problemas conductuales, la prevención de la delincuencia, las relaciones docente alumno, el papel de los padres de familia comofacilitadores de la expresión artística, el desarrollo del lenguaje, la memoria, etcétera.
Notas
1 César Lorenzano, La estructura psicosocial del arte, Siglo xxi, México, 1982, pp. 102-103.
2 Viktor Lowenfeld y W. Lambert, Desarrollo de la capacidad creadora, Kapelusz, Buenos Aires, 1973.
3 Rhoda Kellogg, Análisis de la expresión plástica del preescolar, Cincel-Kapelusz, Barcelona, 1979.
4 Consejo Nacional Técnico de la Educación, Educación, 4a. época, vol. viii, núm. 41, México, 1982, pp. 335-342.

etapa del garabateo

Etapas del dibujo Infantil

Etapas del Dibujo Infantil

Garabateo incontrolado	-El dibujo no sigue una coordinación óculo visual. -Movimientos lineales y circulares amplios. -El  niño solo le interesa el placer del movimiento .
Garabateo controlado	-Los dibujos se realizan con alguna idea sobre lo que se quiere plasmar. - Relativo control del grafísmo. -El niño es capaz de realizar círculos cerrados.
Garabateo  con  nombre	-El trazo adquiere valor de signo y de símbolo. -Se dibuja con una intención. -El niño pondrá nombre a cada dibujo
Etapa   Pre-esquemática	-Intención de crear símbolos que tengan significado -Trazo controlado que se refiere a un dibujo visual. -Aparición de las primeras figuras reconocibles por adultos. -Organización cada vez más rígida y convencional.
Etapa Esquemática	-Se desarrolla un concepto definido de forma. -El niño dibuja parte de su ambiente. -Relación entre objeto y color. -Aparición de secuencia de tiempo o acción.
Etapa del Realismo	-Los dibujos  comienzan a ser más detallados. -Buscan la perspectiva y el movimiento. - todavía los dibujos son más simbólicos que representativos de la realidad